Socios

Gabriel Brnčić Isaza (1942)

Estudió en su ciudad natal violín, viola y oboe, y composición con Gustavo Becerra-Schmidt. Licenciado en Composición por la Universidad de Chile y Título de Profesor Superior de Composición del Ministerio de Educación de España. Suficiencia de Investigación por la Universidad de Barcelona.

Estrenó su primera pieza para orquesta, Oda a la energía, en 1963. En 1965-66, una beca del Instituto Di Tella de Buenos Aires le permitió realizar el post-grado en el Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM), con Alberto Ginastera, Gerardo Gandini, Iannis Xenakis, Francisco Kröpfl y Luigi Nono, entre otros maestros. Desde 1967 hasta 1971 fue profesor e investigador del CLAEM, produciendo y estrenando piezas electroacústicas y mixtas, propias y de sus alumnos.

Desde 1971 hasta 1974, Brnčić dirigió el Estudio de Sonido y Música Electroacústica del Centro de Investigaciones en Comunicación Masiva, Arte y Tecnología (CICMAT) de la Municipalidad de Buenos Aires. En 1975, conjuntamente con la creación del Laboratorio Phonos de Música Electrónica, comienza en Barcelona su trabajo pedagógico que reúne la composición tradicional con la tecnología contemporánea. En 1976 recibe la beca Guggenheim para la creación e investigación artística. Es miembro correspondiente de la Academia Chilena de Bellas Artes del Instituto de Chile (1999).

Ha sido Director Artístico de la Fundación Phonos, Director del Proyecto Phonos de Edición y profesor de composición y análisis musical en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC) desde su fundación en 2001. Premio de Bourges (IMEB) 1983 y Ciudad de Barcelona 1985.

El 1994 ingresa a la Universitat Pompeu Fabra, donde ha trabajado en el Màster en Arts Digitals, en el Curs d’Art i Tecnología y como director del Post-grau de Composició i Tecnologies Contemporànies. Actualmente pertenece al Patronato de la Fundación Phonos y trabaja en diversos proyectos relacionados con su obra como compositor. Sus partituras y grabaciones, publicadas en diversos medios, se interpretan habitualmente en ciclos y festivales internacionales.

Entre las distinciones recibidas están los premios de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la Universidad de Chile (1963, 1966, 1967), el primer premio del Concurso Casa de las Américas de Cuba (1966) por su Octeto para bronces, el primer premio del Concurso Internacional de Bourges (1984, por Chile fértil provincia…, 1975–83), el premio Ciutat de Barcelona (1985, por el Concierto para Viola y orquesta, 1967).

Ha recibido encargos de la SWF Baden-Baden, de Radio Nacional de España, de la Associació Catalana de Compositors, del Groupe de Musique Expérimentale de Bourges, del Centro para la Difusión de la Música Contemporánea, del GRM/Radio France, del Consell de la Cultura de les Arts de la Generalitat de Catalunya, entre otros.

Boris Alvarado Gutiérrez (1962)

Nace en 1962 en la ciudad de Valparaíso-Chile. Inicia sus estudios de música en la P. Universidad Católica de Valparaíso graduándose como Licenciado en Ciencias y Artes Musicales, con la Tesis de Grado “Visión del Arte Expresionista” (1985). Posteriormente recibe su Magister en Artes con mención en Composición en la Universidad de Chile, con su Tesis “Nueve Semanas y Media”, 9 piezas para 16 músicos y 22 instrumentos (1999-2000), siendo el primer graduado en esta especialidad en Chile bajo la guía del profesor Eduardo Cáceres.

Recibe su segundo Magíster en Composición y Música Sacra en la Academia Estatal de Música en Cracovia, Polonia, con su Tesis de Grado “El Signo de la Cruz”, sacra representación para tres solistas, coro, danza y orquesta (2002) bajo la dirección de Krzysztof Penderecki. Finalmente obtiene su Doctorado (PhD) en Composición Musical en la Academia de Música Fryderyk Chopin de Varsovia, Polonia con su Tesis de grado bajo la guía de Marion Borkoswski: “Ma donna” incontri per gruppi di solisti ed orchestra. Franco Donatoni in memoriam.

Ha estudiado composición bajo la dirección de Alejandro Guarello y Andrés Alcalde en Chile y con Krzysztof Penderecki y Marian Borkoswski en Polonia. Actualmente es Doctor © en Filosofía por PUCV-Chile y París 8-Francia. Miembro de numero del Colegio de Compositores Latinoamericano de Arte, que agrupa a dos compositores de América por cada país.

Miembro de honor de la Asociación de Música Sacra de Varsovia, Polonia Miembro de la Asociación Nacional de Compositores de Chile,

Miembro Correspondiente de la Academia Chilena de Bellas Artes del Instituto Chile.

Distinguido con La Cruz de Caballero de la Orden del Mérito del gobierno de la República de Polonia. Ha recibido el reconocimiento del Gobierno de Su Majestad Británica, en 1996, por la difusión de la obra de compositores ingleses. La Medalla de la Unesco por su aporte a Valparaíso, Patrimonio de la Humanidad en 2003. La Medalla Fryderyk Chopin por su contribución a la música académica en el año 2006.

Ex Profesor Titular full time de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso 1996-2018. Desde 1980 participa como compositor y director en los conciertos de Música Contemporánea que a esa fecha, realiza el actual Instituto de Música de la Universidad Católica de Valparaíso, donde se desempeñó como profesor de Composición, Instrumentación, Orquestación, Polifonía y Análisis en el Departamento de Composición. Fue por varios años Jefe Curricular de la Carrera de Licenciatura en Ciencias y Artes Musicales mención Composición. Además fue académico del postitulo en composicion PUCV en las clases de composición e instrumentación.

 

Formó parte del comité académico de la Carrera de Licenciatura en Composición en la Universidad de Chile entre los años 1999 al 2002, donde realizó los cursos del Taller de Contrapunto, Coro, Armonía, Taller de Creación y Composición básica y superior.

Presta servicios como evaluador en Conicyt, Fondecyt, Explora y Becas Chile Nominado al premio Altazor 2008 por su obra “Magdala, el signo de la Cruz” “Premio a la Crítica”, otorgado por el Círculo de Críticos de Arte de Valparaíso, en los años 1994, 1996 y en 1997

En la actualidad, ha realizado importantes publicaciones sobre música chilena en diversos países.

En 1994 funda el Coro Femenino de Cámara de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso, agrupación coral creada para el estudio, investigación y difusión de las obras compuestas con posterioridad al siglo XX y XXI. Termina su dirección en el año 2019.

Existen registros de su trabajo en varios discos compactos y artículos de prensa y radio en forma de reportajes, en los medios especializados dedicados a la cultura, desde 1980

Ha sido invitado a importantes Festivales de Música Contemporánea como el de ciudad de La Habana, Cuba, Two days&two night ́s de Odessa, Ucrania, Laboratorio de Música Contemporánea de la ciudad de Varsovia, Polonia, Festival del Otoño de Varsovia, Polonia, Festival de Música Chilena de la Universidad de Chile, Festival de Recife de Marlos Nobre, Festival Encuentros de Argentina, Festival Diplomatic Notes en colaboración con Estonia, Polonia, Finlandia y Lituania, como también el Festival de Música Sacra de la Pontificia Universidad Católica de Chile y el Festival “Gaude Mater” en Czhestohowa, Polonia.

Asiste como invitado a los cursos de Dirección de Ópera de Cámara en el año 1997-98 en el Festival de Las Artes de Aldeburgh, Inglaterra. Ha dirigido orquesta de Cuba, Argentina, Polonia, México, Chile, Estonia, Ucrania entre otros. Ha dictado conferencias sobre la música chilena y latinoamericana contemporánea en las Academia de Música más importantes de Alemania, Argentina, Polonia, Holanda, Cuba, Argentina, Perú, Puerto Rico, Hungría, Lituania, Estonia, Inglaterra, Eslovaquia, Rusia, Finlandia, Francia, República Checa, Ucrania e Italia. Co-Fundador y Director Artístico por varios años del Festival de Música Contemporánea Darwin Vargas V. del Instituto de Música de la PUCV. Del mismo modo, sus obras se han estrenado en diversos países de América, Europa y Asia, quedando registradas en varios discos compactos.

Andrés Alcalde Codero (1952)

Nació en Santiago en 1952. Su vida musical, como él mismo la define, podría ordenarse cronológicamente dentro de tres períodos formativos más uno en curso que definimos nosotros y describiremos más abajo: 1. el aprendizaje del cuerpo, 2. el aprendizaje de la escritura, 3. el aprendizaje del cuerpo de la escritura, 4. actualidad. El primer período se sitúa en torno a las clases de piano con su tío Carlos Alcalde, a la presencia constante de la danza junto a su madre y hermanas bailarinas, y a la vida juvenil de los conjuntos de música popular. En 1970 entró a estudiar Composición en la Universidad de Chile con Alfonso Letelier y paralelamente completó la carrera de Educación Ritmo-Auditiva. Dentro de la universidad comienza el segundo período, la aprehensión de la escritura. Ahí, además, recibe clases de Cirilo Vila, Juan Lemann, Juan Amenabar, Carlos Botto, entre otros,  y escribe sus primeras obras. “Sacre miniatures”, “Días de campo”, “El Agua” y “Sonata para piano” son algunas de las piezas de este período que influidas tanto por el neoclasicismo y expresionismo chileno de la época como por las armonías y colores modales de Bártok, Hindemith y Prokofiev, traslucen, por medio de una atrevida búsqueda contrapuntística, una inconfundible picardía que compromete toda la música posterior de Andrés Alcalde.

En 1976 compuso “Cuatro piezas para orquesta” en donde encuentra, bajo un prisma weberniano, la necesidad de componer con ideas y ya no con temas. De ahí hasta 1982 escribió “Opiniones”, “Las cabezas trocadas”, “Ave María”, “Pedro Cortés” y como discípulo de Cirilo Vila hace clases de Armonía y Contrapunto en la U.Ch. En 1982 compone “Stravinskiana” para gran orquesta, obra escrita para ballet y dedicada a su madre bailarina. En esta composición Andrés toma cierta distancia con la academia en cuanto a los asuntos lingüísticos, ya que abandona radicalmente la idea del “Durchführung” germano e introduce aspectos menos occidentales como repeticiones obsesivas, elasticidad rítmica y armonías no evolutivas. Ese mismo año, bajo dictadura militar, es despedido de la universidad por no saludar al decano Félix de Aguirre. 

En 1982, con una buena cantidad de composiciones bajo el brazo ganó una beca del “Ministero degli affari esteri” para estudiar en Italia. Partió a Roma donde tuvo clases, primero, con Mauro Bortolotti y luego con Franco Donatoni, maestro con el cual dio inicio al tercer período: el aprendizaje del cuerpo de la escritura. El Cuarteto n°2 “Discordancias-Concordancias” de 1983 grafica  la búsqueda de un metadominio para la composición, una especie de “psico-socio-análisis”  producto de la expulsión universitaria y del hallazgo de un nuevo mundo lingüístico. Esta pieza transita desde la rabia a la medida, del orden discreto al orden, del desacuerdo al acuerdo, de lo aleatorio a lo guiado. Podemos decir que la búsqueda de ese metadominio conforma, junto a una búsqueda ética fundada en el compromiso, las condiciones de posibilidad básicas de su artesanía, artesanía inacabada que fructifica en: “Jake”, “Call”, “Bergan-Bergunter”, “Talla”, “Rin”, “Tranquillein”, “Llongüein”, “Sereno”, “Allez-Allez”, “Mcrimbô”, “Allora”, “PC-J25”, “Rondeaux”, “Musica da Camera”, “Claro”, “Kekereke”, “Permesso”. Los frutos artesanales se desarrollan también en el apoyo pedagógico de un sinnúmero de alumnos y agrupaciones de carácter comunitario, tales como los talleres “Lira”, “Compañía Pilcomayo-Gogol”, “CAMERA”, cursos de Magister en Composición en la U.Ch y los talleres grupales y clases que actualmente realiza en el Centro de Estudios de la Composición Matta365 en Viña del Mar, espacio este último que funda el año 2000 junto a una comunidad musical compuesta de sus alumnos y amigos.

El año 2006, auspiciado por el Fondo Nacional de la Música, inicia su ópera “…y de pronto la tarde. 7 madrigales  escénicos” ópera denominada “de barrio” la cual concluye a fines del 2007 obteniendo el premio Altazor 2008 en música docta. Este proyecto experimental, radical en el compromiso lúdico con el encuentro derivativo de las ideas, surgió a partir de la aceptación de una hoja de apuntes como el material gestador de la obra y su microcosmos, dando con ella, además, la apertura a un ciclo de óperas que nos ubican en un presente y cuarto periodo, periodo que no quisiéramos llamar formativo y que, por su carácter extra-académico, su ímpetu comunitario, eco-lógico, inclusivo, sedimentado y derivativo inscribiremos aquí como “periodo rizomático”.

“Más allá de la tarde” es el nombre del ciclo de óperas de género inaugurado con  la ópera de barrio “y de pronto la tarde…”. Luego vino “Sola” ópera de encierro estrenada los meses de julio a septiembre del año 2013 en el teatro experimental de Matta365 y su espacio escénico. Actualmente se encuentra componiendo “Sosiega la noche” ópera nocturno y vendrá “La sombra oscila jadeante”, “Dócil”, “Sofoca y soslaya”, “Fatigada y silenciosa” y “Tú” ópera total. Este ciclo de 7 óperas más una inicial fueron proyectadas con el nombre de cada una de las escenas de la primera (“y de pronto la tarde…”), trasluciendo un sentido de compromiso con la vida que traspasa al futuro siempre incierto. 

 “Sola” fue una dialéctica obsesiva entre polaridades básicas, ni racionalismos latinoamericanos, ni sensualismos europeos, más bien una propulsión volcánica y lúdica entre 2 + 2, blanco y negro en vibración. Un proyecto y su deriva, un cauce y su flujo, algo así como una ecología de las ideas. Una estética felliniana en un cuerpo situado en Latinoamérica.

Antes de comenzar la tercera ópera, “Sosiega la noche”, ha compuesto el encargo de una obra para gran orquesta llamada “Retorno”, asentando con ella esta nueva etapa involutiva y rizomática, a través de una construcción rigurosamente derivativa o la puesta en escena de una máquina salvaje. Las obras como “Freitag”, “Funky piano piece” y “Atte.” compuestas entre los años 2014 y 2015 fueron gestadas a modo de paréntesis escritural en medio del trabajo operístico, y a su vez “Across” para cuerdas, percusión y celesta dedicada al arquitecto Alberto Cruz se trata también de una pieza independiente pero inserta como IV escena dentro de “Sosiega la noche”. El plan completo para esta ópera es el siguiente: I. Desosegada luz, para orquesta y coro pregrabados; II. Ciencia secreta, 23 preludios para piano y conjunto instrumental; III. Gatillo de tu propia suerte o “Cantos comunes y corrientes” para coro y solistas; IV. Laguna infinita de sonidos o “Across” para piano, percusión y cuerdas; V. No olvido aun tu amistoso silencio; VI. Chercán también de todos mis sueños.

Miguel Aguilar Ahumada

(1931 - 2019)

Biografía

Nació en Huara, norte de Chile, lugar donde tuvo una temprana formación musical en el estudio del piano. Una vez que su familia se trasladó a Santiago, tomó clases de música en un conservatorio particular del barrio Brasil. En su adolescencia decidió dedicarse a esta disciplina de manera profesional, matriculándose en el Conservatorio Nacional de Música —actual Departamento de Música y Sonología de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile—, donde obtuvo el grado de Licenciado en Música, mención Teoría General. Allí estudió composición con Jorge Urrutia Blondel, complementando su formación con los cursos de apreciación musical dictados por Juan Orrego-Salas, las clases de orquestación con el holandés Fré Focke, junto a la intensa actividad artística que compartió con miembros de su generación, destacando a José Vicente Asuar, Gustavo Becerra, Juan Allende y Juan Pablo Izquierdo. Es así como sus composiciones se ven fuertemente nutridas por el estilo de doce sonidos y la estética atonal libre, nombrada por Aguilar (2009) como “tonalidad ampliada”. Gracias a la influencia de Focke y del director alemán Hermann Scherchen —músico que visitó Chile en los años 1947 y 1948—, esta estética se fue complementando con elementos tanto de la técnica neoclásica como de la técnica aleatoria. Su catálogo incluye obras para orquesta sinfónica, diversas agrupaciones de cámara y solistas. La mayoría fueron estrenadas e incluso algunas recibieron premios del Instituto de Extensión Musical. Respecto a su enfoque creativo, es importante destacar que Aguilar comprende la composición como un acto reflexivo y evolutivo, y es por ello que en varios casos se ve en la obligación de corregir sus obras, producto de su constante cuestionamiento estético.

A sus  25 años, en 1956, recibe la invitación del Conservatorio Superior de Música de la Universidad de Concepción para participar como correpetidor en las puestas en escena de óperas, junto al grupo de músicos que luego formaría la Orquesta Sinfónica de Concepción y su Coro Sinfónico. Entre los años 1961 y 1962 viaja a Alemania, para perfeccionarse en dirección de orquesta con Wolfgang von der Nahmer, en la Escuela Superior de Música de Colonia. Posterior a ello, regresa a Concepción, a la misma universidad, donde además de liderar la mediación artística de la nueva música —realizando conciertos con música de Cage, Webern, Schönberg o Stravinsky—, fue profesor titular, protagonista de la formación musical de la región del Bío Bío, dictando clases de análisis, armonía, lectura, historia de la música, lectura de partituras y contrapunto. Tuvo algunos alumnos de composición, pero según el comentario realizado por el propio Aguilar, en el artículo Conversaciones con Miguel Aguilar, escrito por José Miguel Ramos en la Revista Neuma, comenta: 

Tal vez la razón más directa por la que abandoné las clases de composición es porque no existía la posibilidad de que se interpretaran las obras. Hacer clases de composición sin tener la oportunidad de que la persona escuche sus obras no funciona, y no existía esa posibilidad aquí. (Ramos, 2009, p.122)

En el año 2006 fue galardonado con el Premio Presidente de la República;  también con el Premio Regional del Bío Bío de Artes Musicales “Claudio Arrau”. Junto con ser  profesor titular de la Universidad de Concepción, fue miembro del Comité Editorial de la Revista Musical Chilena.